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“Del horror a la obra de arte: Guernica 75 años”

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GUERNIKA un film de Alain Resnair sobre los bombardeos Nazis sobre la ciudad martir

En la tarde del 26 de abril de 1937, empezó a cumplirse la brutal orden: bombardear hasta la destrucción total la pequeña ciudad vasca situada al norte de España. Los nazis colocaban  de esta manera su firma en el conflicto de la  Guerra Civil Española convirtiendo a Guernica, en el símbolo mundial del horror y la atrocidad.

Esta barbarie acabó con la vida de casi 2000 mil personas  de los 6000 habitantes que la ciudad albergaba  en ese momento más los cientos de refugiados que había recibido rescatándolos de la persecución nazi-fascista.
Nunca se supo a ciencia cierta los motivos por los cuales la Legión Cóndor  tuvo como objetivo  bombardear esta ciudad que,  estando ubicada a 30 km de Bilbao en el país vasco, no tenía importancia estratégica en la guerra salvo, el querer acabar con un famoso roble. El árbol  centenario de Guernica no fue alcanzado, quedó intacto. Resistió bravamente  y continúa simbolizando  la tradición nacional  y  democrática de un país.
GUERNICA , el cuadro

Durante los meses de mayo y junio de ese mismo 1937, Pablo Ruiz Picasso produjo una metáfora inigualable del horror producido por el hombre y que nos obliga a conocer el marco histórico en el que vio la luz.
La obra del artista plástico catalán, realizada  en blanco y negro y con variados grises y toques azules plasma desgarradoramente personajes: animales, gentes y objetos que expresan repulsión y lanzan un  grito ensordecedor que retumba  hasta hoy cuando las campanas de Guernica den las 4 de la tarde.

Silvia Cevasco es profesora de España aquí

silvia

¿Qué hay entre la vacilación del comienzo y la certeza del fin?

Algunos contestarían que hay un cuento.

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Oscuros, misteriosos, pasionales o  inciertos los comienzos a veces se desvanecen o se enriedan  de tal manera que debemos o mutilarlos o eliminarlos definitivamente. Otras veces lo ridículo invade su gestación y aunque intentamos aguardar a que adquiera vida propia, se desarrolle y alcance un final esperado, un vacío infinito se vislumbra sin que ningún  secreto se revele.

A veces un relato encierra una historia que si bien se basa en hechos perfectamente posibles de sucederle a cualquier ser humano, percibimos que el narrador se esforzó en que parecieran mentirosos para que resultasen al final más creíbles.

Ya se ha dicho que el cuento  como obra de arte, sería una especie de economía que haríamos pues al ser tan difícil medir el tiempo que nos  lleva realizarlo, tendríamos  más dificultades aún para definir su valor social.

Algunos piensan que no hay cuento si en su final alguien no se casa o mata a otro pero…y si luego de un casamiento con toda la pompa, la novia es abandonada en un descampado y el reciente esposado se marchara solo, ¿sería esa una historia completa? La expectativa del lector estaría satisfecha o querría saber que sucedió con la joven luego del abandono?

Los finales ponen de manifiesto los problemas de la expectativa y nos enfrenta con la presencia del  lector que no es alguien externo a la historia, y sí es una figura  integrante de la trama que debemos tener en cuenta.

Cuentos de hadas, fábulas tranquilizadoras, parábolas con moraleja, policiales noirs en fin los cuentos contados parecen largadas que no se producen mientras que su fin siendo o pareciendo  involuntario está premeditado y es fatal.

Silvia Cevasco es profesora de España aquí  – Escola de espanhol em São Paulo –   Tel. (11) 3083.3334

silvia

El Tango

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Se dice que nace, en los cabarets del Río de la Plata como danza primero y canción después. Estimulando o censurando el atrevimiento sensual de hombres y mujeres, y encuadrando tanto su moral como las ideas de estas ciudades que crecían al final del siglo XIX.

Casi fue un movimiento contracultural en sus albores, pero en su gestación no solo intervinieron los sectores populares sino también los aristocráticos. Esto tuvo mucho que ver con la doble moral de esos grupos que frecuentaban  las  “casas de cita” donde  los llamados “niños bien” de la alta sociedad se divertían mientras dilapidaban las fortunas de sus familias.

Esta danza erótica surgida en los extintos cabarets será ejecutada durante la visita de Infanta Isabel, que vino a participar en los festejos del Centenario en 1910. Esto legitimó su aceptación por parte de la sociedad. Sin olvidar que algunas voces de intelectuales se levantaron para llamarlo de por ejemplo, “reptil de lupanar”, como lo hizo Leopoldo Lugones y diciendo que siempre habría oposición al tango.

Los primeros músicos que lo ejecutaron eran inmigrantes, principalmente italianos y los que le pusieron letras ya habían pasado por la escuelas de Sarmiento destacando un nacionalismo incipiente. La necesidad de convertirlo en canción nace de los hijos de esos inmigrantes ya criados en un entorno de sentimientos ciudadanos.

Si bien sus letras tienen un fuerte componente masculino, el hombre se muestra débil ante la pérdida de la mujer, confiesa su derrota y continúa a esperarla como observamos en el considerado  el primer tango canción Mi noche triste.

Percanta que me amuraste

en lo mejor de mi vida

Dejándome el alma herida

y cenizas en el corazón.

En cuanto a la mujer rescata a la madre y a la novia. La primera asexuada, sin deseo  y la segunda su continuación que la imita. Luego aparece la otra, aquella que abandona, quiere una vida mejor, desarrollarse, salir del barrio, en fin desea y el tango le dice: eso no hace.

El tango aconseja, ordena qué es lo bueno y lo malo. Es nostálgico en sus letras y al danzarlo se convierte en una ritual erótico. Es una danza de agarre, donde hay siempre un avance del hombre y un retroceder de la mujer. Los europeos se asombran al ver en este baile esa erótica extraordinaria.

El tango, a partir de 1955, con el fin del peronismo y la aparición de Astor Piazzolla con el octeto, lentamente pierde su rasgo popular y se transforma en una experiencia vinculada a la clase media. Hoy en día sobrevive en las denominadas “milongas” frecuentadas por turistas y clases medias.

Silvia Cevasco es profesora de España aquí  – Escola de espanhol em São Paulo –   Tel. (11) 3083.3334

silvia

Salvador Dalí y su manía de grandeza

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Descubrimos por acaso, un momento en la vida de este artista catalán que se expresó a través del movimiento surrealista. En su autobiografía Dalí nos cuenta que a los siete años de edad quiso ser Napoleón.

En esa época, tomaba todas las tardes mate criollo en la casa de unos vecinos de sus padres que habían vuelto de una estadía en Buenos Aires y traído esta costumbre para las tertulias de Catalunya.“También yo sorbía aquel líquido caliente a mi paladar más dulce que la miel”. Un día en cuanto saboreaba la rioplatense infusión, su precoz curiosidad infantil lo enfrenta a la etiqueta de un envase de yerba argentina,  donde rezaba el ostentoso título de Napoleón.

El impulsivo deseo de ascender abruptamente al oficio de  emperador, surgió como de un sueño y, de ese napoleón bebible que se corporizaba en la misma yerba mate, floreció mi vanidad que lejos de minguar no ha parado de crecer tanto cuanto, esos mis delirios y manías inconmensurables de grandeza”.

Digamos que la yerba mate Napoleón que Salvador bebió en su infancia, se importaba de Argentina a principios del siglo XX y aún hoy es encontrada en pequeños comercios en Figueres, cerca de la casa natal de Salvador Dalí.

Siendo que no pocos aprovecharán esta confesión daliniana, para por fin encontrar una explicación para la tan comentada “manera de ser argentina”, no se podrá adjudicar a la ingestión de la yerba mate esa encendida, petulante, prepotente, y a veces pedante forma de ser.

Si el surrealismo es producto de la mezcla entre imágenes conscientes e inconscientes provenientes de los sueños, en la construcción de la subjetividad  de una nacionalidad se pueden encontrar los efectos ya no de la yerba mate, sino, quizás, de un eurocentrismo que nos hizo y hace padecer un grado superlativo de alienación en cuanto a lo que realmente somos. Quién sabe producto de un delirio surrealista.

Silvia Cevasco es profesora de España aquí  – Escola de espanhol em São Paulo –   Tel. (11) 3083.3334

 


 

 

 

silvia

Día Internacional de la Mujer: 100 años

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A fin de llamar la atención sobre los logros alcanzados y las distancias aún por salvar.

Remontarse a la antigua Grecia, y encontrar a  Lisistrata empezando una huelga sexual contra los hombres para obligarlos a poner fin a la guerra, nos ilustra sobre la temprana  lucha femenina intentando asomar la cabeza en  el universo masculino.

Durante la Revolución Francesa, las parisienses marcharon hacia Versalles pidiendo “libertad, igualdad y fraternidad” y exigiendo ya el voto femenino. La idea de  un día internacional de la mujer, surge al final del siglo XIX durante la industrialización, período especialmente  dominado por el hombre ya en su carácter de patrón y  en el cual mujeres y niños eran sometidos  a la turbulencia de un trabajo que lindaba la  esclavitud pero ya entonces, en nombre de la  denominada productividad.

En 1911 mujeres de Alemania, Suiza, Austria y Dinamarca se reúnen  el 19 de marzo en sus países para celebrar el primer aniversario del congreso de mujeres realizado un año antes en Copenhague pidiendo derecho de voto, ocupar cargos públicos, el derecho al trabajo, a la formación profesional y a la no discriminación laboral. Una  semana después, en Nueva York, casi  140 mujeres trabajadoras, inmigrantes en su mayoría, mueren en el trágico incendio de la fábrica Triangle. Este hecho repercutió en forma contundente y fue motivo para que en las siguientes celebraciones del Día Internacional de la Mujer se hiciera referencia a las condiciones laborales que llevaron a semejante tragedia.

Otros acontecimientos, con la participación femenina se fueron añadiendo a lo largo de la historia como el de las mujeres  rusas durante la Primera Guerra Mundial que se declaran en huelga por pan y trabajo y por la muerte de 2 millones de soldados rusos. Esta paralización coadyuva  en la caída del Zar en 1917.

Son innúmeros los avances que a lo largo de la historia se han producido en el campo de los derechos laborales y la participación femenina en el campo de las ciencias, la política. Sin embargo un flagelo que fue reconocido a partir de los años 60 como problema social   y es hasta hoy motivo de gran preocupación en las sociedades y reconocida como violencia de género, maltrato domestico que se ejerce sobre un miembro de la familia causando daños físicos o psicológicos. Estos tipos de comportamientos indican  retraso cultural en cuanto a la falta de valores como tolerancia, empatía y respeto por los demás,  independiente de su sexo que se produce específicamente en el seno familiar.

Los desafíos que encaran organismos, instituciones y el poder público por medio de campañas y programas ayudaron y ayudan a mujeres a en un primer momento, a entender sobre lo que es y representan las  agresiones que puedan haber experimentado  y como enfrentarlas.

En estos 100 años el Día Internacional de la Mujer puede aún ser visto por unos, como meramente simbólico, sentimental  o hasta comercial por otros y sin embargo un simple análisis u observación de la situación  de la mujer, tanto  en sociedades más avanzadas y progresistas como en aquellas que conservan valores fundamentalistas nos pueden mostrar   que aún nos queda mucho, muchísimo por hacer.

Silvia Cevasco es profesora de España aquí  – Escola de espanhol em São Paulo –   Tel. (11) 3083.3334

silvia

Una de las glorias del barroco español, cinebiografiado por un brasileño

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Su dimensión  como  poeta y su trabajo transformador como dramaturgo que llegó a influenciar a Shakespeare, fueron algunas de las razones que llevaron al cineasta brasileño Andrucha WaddingtonCasa de Areia; Eu,Tu Eles – a sumergirse en el Barroco del Siglo de Oro español para recrear en una coproducción España-Brasil la juventud de Félix Lope de Vega -1562/1635.

El director, que declaró haber descubierto en Lope a un aventurero, cuenta que en la inmersión que realizó en su obra lo sorprendió descubrir que el personaje real de su película fue un hombre moderno inventado por el Barroco.

Justifica este hecho, al mostrar cómo popularizó y modernizó el teatro al establecer una relación contractual, una asociación entre el productor teatral y el artista, que desea unir entretenimiento y arte, tal y cual sucede en los días de hoy en la industria cinematográfica.

Nos cuenta que fue un aventurero, con el coraje necesario para cambiar la Armada española, que lo convierte en eximio espadachín, para sumergirse en el teatro y la poesía. Hombre de muchas mujeres y lances amorosos mezcló drama y comedia como consideraba ser la vida y atravesando  por los dilemas que nos son inherentes como humanos, Lope plasmó con gran maestría todas estas cuestiones.

El cineasta brasileño se aseguró poder reunir y transmitir en su película, la figura del héroe de capa y espada con el poeta romántico trayendo para el debate lo que realmente provoca el arte y lo mucho que tenemos que  aprender del Barroco.

Lope de Vega cultivó todos los géneros literarios, su primera novela La Arcadia es una obra pastoril en la que incluyó numerosos poemas. La Filomena y La Circe contienen cuatro novelas cortas y la comedia humanística en lengua vulgar, como La Dorotea, narra sus frustrados amores juveniles.

Su obra poética usó de todas las formas posibles y le atrajo por igual la lírica popular y la culta de Góngora y en La Gatomaquia podemos apreciar una excelente parodia épica. Pero, donde  realmente vemos al Lope renovador es en el género dramático. Luego de años escribiendo para la escena, Lope compuso, a petición de la Academia de Madrid, el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo donde expone sus teorías dramáticas donde recomienda respetar la unidad de acción para mantener la verosimilitud, y aconseja la mezcla de lo trágico y  lo cómico.

Aparece allí la figura del gracioso en su teatro y, casi en todas las obras del Siglo de Oro. En general su temática gira alrededor a dos ejes, el amor y el honor. Su público es diverso y va desde el más culto y refinado hasta el iletrado. Sus obras más conocidas, El perro del hortelano, La Estrella de Sevilla, La doncella Teodor entre otras que abordan los abusos por parte de los nobles como el tema del amor.

Fuente Ovejuna plantea el levantamiento de un pueblo contra los abusos del señor feudal. Establecido el conflicto social, sus vasallos sin pretender cambiar el sistema, logran alcanzar la justicia a través de la unión del pueblo que les asegura el triunfo.

Si bien la película de Waddington sólo abarca la juventud de Lope de Vega, llega en buena hora para presentarlo a las nuevas generaciones y, en especial, al público brasileño que tendrá la oportunidad, después de verla, de seguirle  el rastro a este grande entre los grandes.

Nota: Lope ha obtenido 7 nominaciones al Premio Goya que se entregará el próximo 13 de febrero en España.

Silvia Cevasco es profesora de España aquí  – Escola de espanhol em São Paulo –   Tel. (11) 3083.3334

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João Cabral de Melo Neto poeta y diplomático, nordestino y sevillano

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Cuando en el año de 1947, el poeta nacido en Pernambuco fue designado para ocupar el cargo de vicecónsul en Barcelona, no sabía que descubrir España como paisaje, como cultura, como clima, como música  influenciaría su obra en forma  rotunda.

La aridez de su terruño, la vivió en otro lugar y la reconoció. Y ya en 1955 entre los 18 poemas publicados en su libro Paisajes con Figuras hay uno en el cual establece un  primer diálogo entre España y el nordeste brasileño.

La península ibérica también le hizo hacer las paces con la música. Quien siempre había rechazado como él cualquier tipo de manifestación musical por considerarla alienante, se vio sobrepasado al tomar contacto con el cante gitano.

Cuando Cabral describe el cante a palo seco, “…ese cante sin guitarra, el más solitario, el grito extremo, un canto en el desierto,  que no se adorna, que el sol subyuga que es más alto que el silencio…”, nos habla de su propia poesía.

Otra manifestación llamó su atención y la tauromaquia entró en su vida completando  este círculo de descubiertas.

La relación que se establece entre el torero y  el toro la comparó  con la del poeta y la palabra, las corridas lo atrajeron al punto de profundizar tanto el conocimiento sobre el tema como el usarlo como temática poética. En “Poemas Sevillanos”, publicado en 1992, la poesía ‘Toro andaluz” lo dedica a ‘matadores’ famosos. Y en el  primer poema del libro, Cabral analiza las diferentes formas de torear de los más renombrados de la época  concluyendo que el mejor de ellos, era Manolete, apodado por los  españoles como  “El Monstro” por la forma seca, con que enfrentaba el toro.

Cuando nos dice :

…actitud tensa y peligrosa

mantiene el poeta con la

furia de la palabra

…cómo domar la explosión

con mano serena y contenida

sin dejar que se derrame.

Las comparaciones que estableció entre el Nordeste brasileño y España reaparecen en  Las carreteras del Agreste y las de La Mancha, así como en  El automovilista infundioso y en Pernambuco en Málaga, donde  Cabral opone el aspecto dócil y doméstico de la caña de Málaga al carácter más indisciplinado de la caña nordestina. En “Lluvias” compara el mismo fenómeno climático en tres lugares distintos: el Agreste, Sevilla y Galicia;

Mas la lluvia, en Galicia,

tanta es que se descuida:

cae de todos los lados,

incluso desde abajo.

La figura femenina solo irrumpe en su obra después de su estadía  en la península. El poeta celebra las varias facetas de la mujer bailaora, que aparece en su poema Estudios para una bailaora andaluza cuando relaciona esta mujer al fuego, a una estatua ardiente, a una amazona dejándola al descubierto, aunque al final de la danza  nos diga:

“…aunque persista el vestido,

la imagen que guardará

nuestra memoria en su vista

es desnuda y espigada,

esbelta, arrogante: espiga.”

La sofisticada poesía de Cabral empieza a establecer paralelos: Sevilla y Pernambuco; la sequía de las regiones nordestinas con la también calurosa y exótica región árabe de Andalucía. A la Sevilla, mujer, maternal, acogedora se le opone el Agreste del Nordeste brasileño, masculino, seco, agresivamente luminoso.

Siendo la poesía de Cabral considerada intelectualizada, resulta difícil su comprensión para el lector promedio. Pero su poema dramático Muerte y Vida Severina de 1953 y publicado en 1955, que cuenta la trayectoria del retirante que huye de la sequía rumbo al litoral, y que encuentra la muerte en el camino, lo colocará definitivamente en los brazos del gran público.

En 1965, la obra, fue puesta en escena  en el Teatro TUCA  de São Paulo, con una adaptación del escritor Roberto Freire, con la musicalización de Chico Buarque de Holanda y la actuación de Paulo Autran convirtiéndose en un hito del teatro brasileño contemporáneo.

El éxito de esta puesta tornó Muerte y Vida Severina uno de sus trabajos más leídos, estudiados y representados así como se convirtió en símbolo de los permanentes desheredados de la tierra.

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silvia

La Guerra Civil española y los Bares de la Av. de Mayo

Durante la Guerra Civil en España, la Avenida de Mayo en Buenos Aires fue palco de refriegas fenomenales. Estos enfrentamientos se producían entre los parroquianos del café Iberia, bunker de los partidarios republicanos y los frecuentadores del bar Hotel Español, reducto de los que simpatizaban con el franquismo.

Ubicados uno enfrente del otro fueron desde fines del siglo XIX, tradicionales centros de reunión de la intelectualidad local e internacional.

En las primeras décadas del siglo XX, sus mesas vieron pasar a José Ortega y Gasset, a Baldomero Fernández Moreno, a Jorge Luis Borges y se deleitaron escuchando la poesía de Alfonsina Storni y de Juana de Ibarbourou. Las   discusiones políticas de Lisandro de la Torre, Alfredo Palacios o Torcuato de Alvear daban paso a un silencio respetuoso para dar oídos a las charlas de Albert Einstein o a las lecturas de la obra de Federico García Lorca que estrenaba, en 1933, Bodas de Sangre en el Teatro Maipo y que permaneció  6 meses en la capital Argentina.

Los incidentes en el transcurso del conflicto civil eran diarios, al punto que, en marzo del 38, un camión se apostó en el medio de la Avenida entre ambos bares. Uno de los grupos solidarios con la República hizo sonar por altoparlantes “El Himno de Riego” agitando consignas antifascistas.

Inmediatamente los franquistas reaccionaron arrojando desde el bar del Hotel Español tazas, vasos, mesas, sillas y todo objeto que tenían a mano sobre el  indefendible camión. La batahola solo terminó con la llegada de la fuerza pública que, en plena “Década Infame” en Argentina, respondía a un gobierno xenófobo y pro fascista.

En estos actos quien manifestaba, era tanto el exiliado español como el argentino que ya había tomado partido sobre este conflicto, y que al mismo tiempo despertó iniciativas de movilización solidaria con España. Se materializaron en la creación de más de un millón de comités que aportaron no solo alimentos y ropas sino también voluntarios que en un número mayor a quinientos participaron de la Guerra Civil.

Se dice que hubo músicos, periodistas, traductores, chóferes, de quienes alguna vez habrá que contar su historia, seres humanos que argentinos o de cualquier otra nacionalidad, agregaron un retazo de su historia personal a la lucha por una causa considerada justa.

Si bien el paso del tiempo, tiende a otorgar una cierta levedad a determinados hechos, los aquí relatados más allá de una fotografía en blanco y negro ya desgastada en sepia, nos impacta rescatando el fervor de una época en que la solidaridad internacional se manifestaba en forma contundente.

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